Simon Callery
Reino Unido / United Kingdom
Red Mantle, 2020
Tela, tinta à base de cal, corda, fio, madeira
220 × 180 × 25 cm
Second Red Mantle, 2021
Tela, tinta à base de cal, fio, madeira
173 × 148 × 20 cm
Nesscliffe Red Oxide Flat Painting, 2019-2026
Tela, tinta à base de cal, fio, madeira
318 × 201 × 25 cm
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Simon Callery (n. 1960, Londres) é um pintor que se formou no Cardiff College of Art em 1983; vive e trabalha em Londres.
As suas pinturas recentes enfatizam a materialidade e são frequentemente realizadas em contacto direto com as superfícies duras do ambiente urbano ou no próprio local, na paisagem. As telas são marcadas, cortadas e perfuradas, embebidas em tinta à base de cola de ovo altamente saturada e cosidas entre si para criar vazios e espaços interiores. Trabalhou ao lado de arqueólogos de campo durante muitos anos e a sua linguagem visual foi moldada pela terminologia e pela prática da escavação arqueológica. Callery cria pinturas físicas e trabalha “para devolver à pintura o seu corpo e, consequentemente, uma melhor consciência do nosso próprio corpo”.
O artista afirma: “As três pinturas em exposição foram realizadas fundamentalmente entre 2018 e 2021, um período em que, todos os verões, trabalhei ao lado de arqueólogos de campo enquanto estes realizavam escavações em dois castros da Idade do Ferro. Um em Bodfari, no Norte de Gales, e o outro em Nesscliffe Hill, em Shropshire, Inglaterra.
Procurava formas de ser o mais direto possível e queria criar as minhas pinturas nas mesmas condições em que os escavadores trabalhavam. Estendia pedaços de tela sobre as superfícies escavadas da paisagem e, rastejando por cima deles com um lápis e uma faca, cortava o tecido de algodão nos pontos em que sentia contacto com as características da superfície subjacente. A tela cortada era dobrada, empilhada e deixada ao ar livre para ser amaciada pelas intempéries até ao fim da escavação. De volta ao estúdio, costurei os elementos de tela uns aos outros, para criar pinturas com um espaço interior aberto. Queria que as pinturas funcionassem como um registo do contacto físico com a paisagem onde tinham sido criadas, e não como uma imagem da mesma.
No local da escavação, tornou-se claro para mim que, se temos questões sérias sobre a nossa relação com a paisagem e o nosso lugar nela, então basear-nos apenas no que vemos não nos leva muito longe. Precisamos nos ligarmos a ela com todos os nossos sentidos. Houve ocasiões em que vi os escavadores a fechar os olhos enquanto trabalhavam com a espátula, para se concentrarem na vibração transmitida pela ferramenta, como indicador das características do material que estavam a escavar. Esta foi uma das pistas que me levou a recorrer a uma linguagem pictórica baseada na materialidade.”
Red Mantle, 2020
Canvas, distemper, rope, thread, wood
220 × 180 × 25 cm
Second Red Mantle, 2021
Canvas, distemper, thread, wood
173 × 148 × 20 cm
Nesscliffe Red Oxide Flat Painting, 2019-2026
Canvas, distemper, thread, wood
318 x 201 x 25 cm
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Simon Callery (b.1960 London) is a painter who graduated from Cardiff College of Art in 1983; he lives and works in London.
Recent paintings emphasize materiality and are often made in direct contact with the hard surfaces of the urban environment or on location in the landscape. Canvasses are marked, cut and punctured, soaked in highly saturated coloured distemper and stitched together to construct interior voids and spaces. He has worked alongside field archaeologists for many years and his visual language has been shaped by the terminology and practice of archaeological excavation. Callery makes physical paintings and he works ‘to give painting its body back and as a result, a better awareness of our own’.
The artist says; ‘the three paintings on show were mostly made between 2018 – 2021, a period when I was working each summer alongside field archaeologists as they excavated two Iron Age hill forts. One at Bodfari in North Wales and the other at Nesscliffe Hill, in Shropshire, England.
I was looking for ways to be as direct as possible and wanted to make my paintings under the same conditions as the diggers as they worked. I laid lengths of canvas on the excavated surfaces of the landscape and crawling over it with pencil and a knife, I cut into the cotton fabric where I could feel contact with the features of the surface underneath. The cut canvas was folded up, stacked in piles and left outside to be softened by the weather until the end of the dig. Back in the studio I sewed the canvas elements together, to build paintings with an open interior space. I wanted the paintings to function as a register of physical contact with the landscape they had been made in, not as an image of it.
On the excavation site it became clear to me that if we have serious questions about our relationship to landscape and our place in it, then relying solely on what we see does not take us far. We need to connect to it with all our senses. There were occasions when I saw the diggers close their eyes when trowelling, to concentrate on the vibration through the tool, as the indicator of the character of the material being dug. This was one of the clues that urged me to turn to a language of painting based in materiality.”